Terrapapers: Caspar David Friedrich, ο σημαντικότερος Γερμανός καλλιτέχνης της γενιάς του

Caspar David Friedrich (Κάσπαρ Ντέιβιντ Φρίντριχ, 5 Σεπτεμβρίου 1774 – 7 Μαΐου 1840) ήταν Γερμανός ρομαντικός τοπιογράφος, που γενικά θεωρείται ο σημαντικότερος Γερμανός καλλιτέχνης της γενιάς του. Είναι περισσότερο γνωστός για τα αλληγορικά τοπία του, τα οποία χαρακτηρίζουν συνήθως στοχαστικές φιγούρες που σκιαγραφούνται σε νυχτερινούς ουρανούς, πρωινές ομίχλες, άγονα δέντρα ή γοτθικά ερείπια.

Το κύριο ενδιαφέρον του ήταν η ενατένιση της φύσης και το συχνά συμβολικό και αντικλασικό του έργο επιδιώκει να μεταφέρει μια υποκειμενική, συναισθηματική απάντηση στον φυσικό κόσμο. Οι πίνακες του Friedrich θέτουν χαρακτηριστικά μια ανθρώπινη παρουσία σε μειωμένη προοπτική ανάμεσα σε εκτεταμένα τοπία, μειώνοντας τις μορφές σε μια κλίμακα που, σύμφωνα με τον ιστορικό τέχνης Christopher John Murray, κατευθύνει «το βλέμμα του θεατή προς την μεταφυσική τους διάσταση».

Το πορτρέτο του Caspar David Friedrich
από τον Gerhard von Kügelgen, γ.  1808,
Hamburger Kunsthalle

Ο Φρίντριχ γεννήθηκε στην πόλη Greifswald στην Βαλτική Θάλασσα στην τότε Σουηδική Πομερανία. Σπούδασε στην Κοπεγχάγη μέχρι το 1798, πριν εγκατασταθεί στη Δρέσδη. Ενήλθε σε μια περίοδο που, σε όλη την Ευρώπη, μια αυξανόμενη απογοήτευση από την υλιστική κοινωνία δημιουργούσε μια νέα εκτίμηση της πνευματικότητας.

Αυτή η μετατόπιση στα ιδανικά εκφράστηκε συχνά μέσω μιας επανεκτίμησης του φυσικού κόσμου, καθώς καλλιτέχνες όπως ο Friedrich, ο JMW Turner και ο John Constable προσπάθησαν να απεικονίσουν την φύση ως «θεϊκό δημιούργημα, που θα αντιπαρατεθεί στο τεχνητό του ανθρώπινου πολιτισμού».

Το έργο του Φρίντριχ του έφερε φήμη νωρίς στην καριέρα του. Σύγχρονοι, όπως ο Γάλλος γλύπτης Ντέιβιντ ντ’ Ανζέρ, μίλησαν για αυτόν ότι ανακάλυψε «την τραγωδία του τοπίου».

Ωστόσο, το έργο του δεν ευνοήθηκε κατά τα τελευταία του χρόνια και πέθανε στην αφάνεια.  Καθώς η Γερμανία προχωρούσε προς τον εκσυγχρονισμό στα τέλη του 19ου αιώνα, μια νέα αίσθηση του επείγοντος χαρακτήριζε την τέχνη της και οι στοχαστικές απεικονίσεις της ακινησίας του Φρίντριχ έγιναν αντιληπτές ως προϊόντα μιας περασμένης εποχής.

Οι αρχές του 20ου αιώνα έφεραν μια ανανεωμένη εκτίμηση για την τέχνη του, ξεκινώντας το 1906 με μια έκθεση τριάντα δύο από τους πίνακές του στο Βερολίνο. Το έργο του επηρέασε τους εξπρεσιονιστές καλλιτέχνες και αργότερα τους σουρεαλιστές και τους υπαρξιστές.

Η άνοδος του ναζισμού στις αρχές της δεκαετίας του 1930 είδε μια αναζωπύρωση της δημοτικότητας του Φρίντριχ, αλλά αυτή ακολουθήθηκε από μια απότομη πτώση, καθώς οι πίνακές του, λόγω της συσχέτισης με το ναζιστικό κίνημα, θεωρούνταν ότι προωθούν τον γερμανικό εθνικισμό. Στα τέλη της δεκαετίας του 1970 ο Φρίντριχ ανέκτησε την φήμη του ως σύμβολο του γερμανικού ρομαντικού κινήματος και ζωγράφου διεθνούς σημασίας. [Ρομαντισμός]

Τα πρώτα χρόνια και η οικογένεια.

Τοπίο με περίπτερο (1797). Αυτό το πρώιμο έργο
παρουσιάζει τυπικά θέματα: κουρελιασμένο τοπίο,
κλειστή πύλη, κτίριο αβέβαιου σκοπού.

Ο Κάσπαρ Ντέιβιντ Φρίντριχ γεννήθηκε στις 5 Σεπτεμβρίου 1774, στο Γκρέιφσβαλντ, στην Σουηδική Πομερανία, στην Βαλτική ακτή της Γερμανίας. Το έκτο από τα δέκα παιδιά, μεγάλωσε σύμφωνα με το αυστηρό Λουθηρανικό δόγμα του πατέρα του Adolf Gottlieb Friedrich, κεριά και σαπωνοποιείο.

Τα αρχεία για την οικονομική κατάσταση της οικογένειας είναι αντιφατικά. Ενώ ορισμένες πηγές αναφέρουν ότι τα παιδιά δίδασκαν ιδιωτικά, άλλες αναφέρουν ότι μεγάλωσαν σε σχετική φτώχεια.  Εξοικειώθηκε με τον θάνατο από μικρή ηλικία. Η μητέρα του, Σόφι, πέθανε το 1781, όταν εκείνος ήταν επτά ετών. Ένα χρόνο αργότερα, η αδελφή του Ελισάβετ πέθανε, και μια δεύτερη αδερφή, η Μαρία, υπέκυψε στον τύφο το 1791.

Αναμφισβήτητα η μεγαλύτερη τραγωδία της παιδικής του ηλικίας συνέβη το 1787 όταν πέθανε ο αδελφός του Johann Christoffer: Σε ηλικία δεκατριών ετών, ο Κάσπαρ Ντέιβιντ είδε τον μικρότερο αδερφό του να πέφτει μέσα από τον πάγο μιας παγωμένης λίμνης και να πνίγεται. Ορισμένες αναφορές υποδηλώνουν ότι ο Johann Christoffer χάθηκε ενώ προσπαθούσε να σώσει τον Caspar David, ο οποίος κινδύνευε επίσης στον πάγο.

Ο Φρίντριχ ξεκίνησε τις επίσημες σπουδές του στην τέχνη το 1790 ως ιδιωτικός μαθητής του καλλιτέχνη Johann Gottfried Quistorp στο Πανεπιστήμιο του Greifswald στην πόλη του, στο οποίο το τμήμα τέχνης ονομάζεται πλέον Caspar-David-Friedrich-Institut  προς τιμήν του. Ο Quistorp πήγαινε τους μαθητές του σε υπαίθριες εκδρομές ζωγραφικής. Ως αποτέλεσμα, ο Φρίντριχ ενθαρρύνθηκε να σκιτσάρει από την φύση σε νεαρή ηλικία. Μέσω του Quistorp, ο Friedrich γνώρισε και στην συνέχεια επηρεάστηκε από τον θεολόγο Ludwig Gotthard Kosegarten, ο οποίος τον δίδαξε ότι η φύση ήταν μια αποκάλυψη του Θεού.

Ο Κίστορπ εισήγαγε τον Φρίντριχ στο έργο του Γερμανού καλλιτέχνη του 17ου αιώνα Adam Elsheimer, τα έργα του οποίου συχνά περιελάμβαναν θρησκευτικά θέματα που κυριαρχούσαν το τοπίο και νυχτερινά θέματα. Κατά την διάρκεια αυτής της περιόδου σπούδασε επίσης λογοτεχνία και αισθητική με τον Σουηδό καθηγητή Thomas Thorild. Τέσσερα χρόνια αργότερα ο Φρίντριχ μπήκε στην διάσημη Ακαδημία της Κοπεγχάγης, όπου ξεκίνησε την εκπαίδευσή του φτιάχνοντας αντίγραφα εκμαγείων από γλυπτά αντίκες προτού προχωρήσει στο σχέδιο από την ζωή.

Η ζωή στην Κοπεγχάγη παρείχε στον νεαρό ζωγράφο πρόσβαση στην συλλογή ολλανδικών τοπίων του 17ου αιώνα της Royal Picture Gallery. Στην Ακαδημία σπούδασε κοντά σε δασκάλους όπως ο Christian August Lorentzen και ο τοπιογράφος Jens Juel.

Αυτοί οι καλλιτέχνες εμπνεύστηκαν από το κίνημα Sturm und Drang και αντιπροσώπευαν ένα μέσο μεταξύ της δραματικής έντασης και του εκφραστικού τρόπου της εκκολαπτόμενης ρομαντικής αισθητικής και του φθίνουσας νεοκλασικής ιδεώδους. Η διάθεση ήταν πρωταρχικής σημασίας και η επιρροή αντλήθηκε από πηγές όπως ο ισλανδικός θρύλος γνωστός ως Prose Edda, τα ποιήματα της Ossian και της σκανδιναβικής μυθολογίας.

Μετακίνηση στην Δρέσδη.

Περιπλανώμενος πάνω από την Θάλασσα
της Ομίχλης (1818), Kunsthalle Hamburg.
Από τα πιο σημαντικά κι αναγνωρίσιμα έργα
του Caspar David Friedrich.

Ο Φρίντριχ εγκαταστάθηκε μόνιμα στην Δρέσδη το 1798. Κατά την διάρκεια αυτής της πρώιμης περιόδου, πειραματίστηκε στην χαρακτική με χαρακτικά  και σχέδια για ξυλογραφίες που έκοβε ο επιπλοποιός αδελφός του. Μέχρι το 1804 είχε δημιουργήσει 18 χαρακτικά και τέσσερις ξυλογραφίες, προφανώς κατασκευάστηκαν σε μικρούς αριθμούς και μοιράστηκαν μόνο σε φίλους. Παρά αυτές τις επιδρομές σε άλλα μέσα, ωθήθηκε να δουλέψει κυρίως με μελάνι, ακουαρέλα και σέπια. Με εξαίρεση μερικά πρώιμα κομμάτια, όπως το Landscape with Temple in Ruins (1797), δεν δούλεψε εκτενώς με λάδια μέχρι να εδραιωθεί η φήμη του.

Τα τοπία ήταν το θέμα που προτιμούσε, εμπνευσμένο από συχνά ταξίδια, ξεκινώντας το 1801, στις ακτές της Βαλτικής, την Βοημία, το Krkonoše και τα βουνά Harz. Βασισμένος κυρίως στα τοπία της Βόρειας Γερμανίας, οι πίνακές του απεικονίζουν δάση, λόφους, λιμάνια, πρωινές ομίχλες και άλλα φωτεινά εφέ βασισμένα σε στενή παρατήρηση της φύσης.

Αυτά τα έργα βασίστηκαν σε σκίτσα και μελέτες γραφικών σημείων, όπως οι βράχοι στο Rügen, τα περίχωρα της Δρέσδης και ο ποταμός Έλβας. Εκτέλεσε τις μελέτες του σχεδόν αποκλειστικά με μολύβι, παρέχοντας ακόμη και τοπογραφικές πληροφορίες, ωστόσο τα διακριτικά ατμοσφαιρικά εφέ που χαρακτηρίζουν τους πίνακες της μέσης περιόδου του Φρίντριχ αποδίδονταν από μνήμης. Αυτά τα εφέ πήραν την δύναμή τους από την απεικόνιση του φωτός και του φωτισμού του ήλιου και της σελήνης στα σύννεφα και το νερό: οπτικά φαινόμενα ιδιόμορφα στην ακτή της Βαλτικής που ποτέ πριν δεν είχαν ζωγραφιστεί με τέτοια έμφαση.

Η φήμη του ως καλλιτέχνη εδραιώθηκε όταν κέρδισε ένα βραβείο το 1805 στον διαγωνισμό της Βαϊμάρης που διοργάνωσε ο Johann Wolfgang von Goethe. Εκείνη την εποχή, ο διαγωνισμός της Βαϊμάρης έτεινε να προσελκύει μέτριους και ξεχασμένους πλέον καλλιτέχνες που παρουσίαζαν παράγωγα μείγματα νεοκλασικών και ψευδοελληνικών στυλ.

Η κακή ποιότητα των συμμετοχών άρχισε να αποδεικνύεται επιζήμια για την φήμη του Γκαίτε, οπότε όταν ο Φρίντριχ εισήγαγε δύο σχέδια με σέπια – Procession at Dawn και Fisher-Folk by the Sea – ο ποιητής απάντησε με ενθουσιασμό και έγραψε: “Πρέπει να επαινέσουμε την επινοητικότητα του καλλιτέχνη σε αυτήν την εικόνα δίκαια το σχέδιο είναι καλοφτιαγμένο, η πομπή είναι ευρηματική και κατάλληλη, η μεταχείρισή του συνδυάζει μεγάλη σταθερότητα, επιμέλεια και τακτοποίηση, η έξυπνη ακουαρέλα είναι επίσης άξια επαίνου.”

Σταυρός στα βουνά (Tetschen Altar) (1808).
115 × 110,5 εκ. Galerie Neue Meister, Δρέσδη.
Το πρώτο σημαντικό έργο του Φρίντριχ, το κομμάτι
έρχεται σε ρήξη με την παραδοσιακή αναπαράσταση
της σταύρωσης σε βωμούς, απεικονίζοντας την
σκηνή ως τοπίο.

Ο Φρίντριχ ολοκλήρωσε τον πρώτο από τους σημαντικότερους πίνακές του το 1808, σε ηλικία 34 ετών. Σταυρός στα βουνά, σήμερα γνωστός ως ο βωμός Tetschen, είναι ένα πάνελ βωμού που λέγεται ότι ανατέθηκε για ένα οικογενειακό παρεκκλήσι στο Tetschen της Βοημίας. Το πάνελ απεικονίζει έναν σταυρό σε προφίλ στην κορυφή ενός βουνού, μόνο του και περιτριγυρισμένο από πεύκα.

Αν και ο βωμός γενικά έτυχε ψυχρής υποδοχής, ήταν ο πρώτος πίνακας του Φρίντριχ που έλαβε ευρεία δημοσιότητα. Οι φίλοι του καλλιτέχνη υπερασπίστηκαν δημόσια το έργο, ενώ ο κριτικός τέχνης Basilius von Ramdohr δημοσίευσε ένα μεγάλο άρθρο αμφισβητώντας την χρήση του τοπίου από τον Φρίντριχ σε θρησκευτικό πλαίσιο. Απέρριψε την ιδέα ότι η ζωγραφική τοπίων μπορούσε να αποδώσει ρητό νόημα, γράφοντας ότι θα ήταν «πραγματικό τεκμήριο, εάν η τοπογραφία έμπαινε κρυφά στην εκκλησία και έρπουσα στο βωμό».

Ο Φρίντριχ απάντησε με ένα πρόγραμμα που περιγράφει τις προθέσεις του το 1809, συγκρίνοντας τις ακτίνες του βραδινού ήλιου με το φως του Αγίου Πατέρα. Αυτή η δήλωση σηματοδότησε την μοναδική φορά που ο Φρίντριχ κατέγραψε μια λεπτομερή ερμηνεία του δικού του έργου και ο πίνακας ήταν από τις λίγες παραγγελίες που έλαβε ποτέ ο καλλιτέχνης.

Μετά την αγορά δύο από τους πίνακές του από τον Πρωσικό διάδοχο, ο Φρίντριχ εξελέγη μέλος της Ακαδημίας του Βερολίνου το 1810.  Ωστόσο, το 1816, προσπάθησε να αποστασιοποιηθεί από την Πρωσική εξουσία και έκανε αίτηση τον Ιούνιο για σαξονική υπηκοότητα. Η κίνηση δεν ήταν αναμενόμενη, η κυβέρνηση των Σαξόνων ήταν φιλογαλλική, ενώ οι πίνακες του Φρίντριχ θεωρούνταν γενικά πατριωτικοί και σαφώς αντιγαλλικοί.

Παρόλα αυτά, με την βοήθεια του φίλου του Graf Vitzthum von Eckstädt που εδρεύει στην Δρέσδη, ο Friedrich απέκτησε την υπηκοότητα και το 1818 έγινε μέλος της Saxon Academy με ετήσιο μέρισμα 150 τάλερ. Μολονότι ήλπιζε να λάβει τακτικό καθηγητή, δεν του απονεμήθηκε ποτέ καθώς, σύμφωνα με την Γερμανική Βιβλιοθήκη Πληροφοριών, «θεωρήθηκε ότι η ζωγραφική του ήταν πολύ προσωπική, η άποψή του πολύ ατομική για να χρησιμεύσει ως γόνιμος παράδειγμα στους μαθητές». Η πολιτική επίσης μπορεί να έπαιξε ρόλο στο να σταματήσει την καριέρα του: τα ξεκάθαρα γερμανικά θέματα και τα κοστούμια του Φρίντριχ συχνά συγκρούονταν με τις επικρατούσες φιλογαλλικές στάσεις της εποχής.

Γάμος.

Chalk Cliffs on Rügen (1818).
90,5 × 71 εκ. Μουσείο Oskar Reinhart
am Stadtgarten, Winterthur, Ελβετία.
Ο Friedrich παντρεύτηκε την
Christiane Caroline Bommer το 1818
και στο μήνα του μέλιτος επισκέφτηκαν
συγγενείς στο Neubrandenburg και
στο Greifswald. Αυτός ο πίνακας
γιορτάζει την ένωση του ζευγαριού.

Στις 21 Ιανουαρίου 1818, ο Friedrich παντρεύτηκε την Caroline Bommer, την εικοσιπεντάχρονη κόρη ενός βαφείου από την Δρέσδη. Το ζευγάρι είχε τρία παιδιά, με το πρώτο τους, την Έμμα, να φτάνει το 1820.

Ο φυσιολόγος και ζωγράφος Carl Gustav Carus σημειώνει στα βιογραφικά του δοκίμια ότι ο γάμος δεν επηρέασε σημαντικά ούτε την ζωή, ούτε την προσωπικότητα του Friedrich, ωστόσο οι καμβάδες του από αυτήν την περίοδο, συμπεριλαμβανομένου του Chalk Cliffs στο Rügen -ζωγραφισμένο μετά το μήνα του μέλιτος του- εμφανίζει μια νέα αίσθηση ευφροσύνης, ενώ η παλέτα του είναι πιο φωτεινή και λιγότερο αυστηρή.

Ανθρώπινες φιγούρες εμφανίζονται με αυξανόμενη συχνότητα στους πίνακες αυτής της περιόδου, κάτι που ο Siegel ερμηνεύει ως αντανάκλαση ότι «η σημασία της ανθρώπινης ζωής, ιδιαίτερα της οικογένειάς του, απασχολεί τώρα όλο και περισσότερο τις σκέψεις του και οι φίλοι του, η γυναίκα του και οι κάτοικοί του εμφανίζονται ως συχνά θέματα στην τέχνη του».

Εκείνη την εποχή, βρήκε υποστήριξη από δύο πηγές στην Ρωσία. Το 1820, ο Μέγας Δούκας Νικολάι Πάβλοβιτς, κατόπιν εντολής της συζύγου του Αλεξάνδρα Φεοντόροβνα, επισκέφτηκε το στούντιο του Φρίντριχ και επέστρεψε στην Αγία Πετρούπολη με μια σειρά από πίνακές του, μια ανταλλαγή που ξεκίνησε μια αιγίδα που συνεχίστηκε για πολλά χρόνια.

Λίγο αργότερα, ο ποιητής Βασίλι Ζουκόφσκι, δάσκαλος του γιου του Μεγάλου Δούκα (αργότερα Τσάρου Αλέξανδρου Β’ ), συνάντησε τον Φρίντριχ το 1821 και βρήκε σε αυτόν ένα συγγενικό πνεύμα. Για δεκαετίες ο Ζουκόφσκι βοήθησε τον Φρίντριχ τόσο αγοράζοντας ο ίδιος το έργο του όσο και συστήνοντας την τέχνη του στην βασιλική οικογένεια. Η βοήθειά του προς το τέλος της καριέρας του Φρίντριχ αποδείχθηκε ανεκτίμητη για τον άρρωστο και φτωχό καλλιτέχνη. Ο Ζουκόφσκι παρατήρησε ότι οι πίνακες του φίλου του «μας ευχαριστούν με την ακρίβειά τους, καθένας από αυτούς ξυπνά μια ανάμνηση στο μυαλό μας».

Ο Φρίντριχ γνώρισε τον Philipp Otto Runge, έναν άλλο κορυφαίο Γερμανό ζωγράφο της ρομαντικής περιόδου. Ήταν επίσης φίλος του Γκέοργκ Φρίντριχ Κέρστινγκ και τον ζωγράφιζε στην δουλειά στο ακάλυπτο ατελιέ του και του Νορβηγού ζωγράφου Johan Christian Clausen Dahl (1788-1857). Ο Νταλ ήταν κοντά στον Φρίντριχ τα τελευταία χρόνια του καλλιτέχνη και εξέφρασε την απογοήτευσή του που για το αγοραστικό κοινό της τέχνης, οι φωτογραφίες του Φρίντριχ ήταν απλώς «περιέργειες».

Ενώ ο ποιητής Ζουκόφσκι εκτιμούσε τα ψυχολογικά θέματα του Φρίντριχ, ο Νταλ επαίνεσε την περιγραφική ποιότητα των τοπίων του Φρίντριχ, σχολιάζοντας ότι «οι καλλιτέχνες και οι γνώστες έβλεπαν στην τέχνη του Φρίντριχ μόνο ένα είδος μυστικιστή, επειδή οι ίδιοι αναζητούσαν μόνο τον μυστικιστή… Δεν έβλεπαν την πιστή και ευσυνείδητη μελέτη της φύσης του Φρίντριχ σε όλα όσα εκπροσωπούσε».

Μετέπειτα ζωή.

Βραχώδες τοπίο στα βουνά
ψαμμίτη Έλβα (1822–1823)

Η φήμη του Φρίντριχ μειώθηκε σταθερά τα τελευταία δεκαπέντε χρόνια της ζωής του. Καθώς τα ιδανικά του πρώιμου ρομαντισμού πέρασαν από την μόδα, έγινε αντιληπτός ως ένας εκκεντρικός και μελαγχολικός χαρακτήρας, χωρίς επαφή με την εποχή. Σταδιακά οι θαυμαστές του τον εγκατέλειψαν.

Μέχρι το 1820, ζούσε ως ερημίτης και χαρακτηριζόταν από φίλους ως ο «πιο μοναχικός των μοναχικών». Προς το τέλος της ζωής του ζούσε σε σχετική φτώχεια. Απομονώθηκε και περνούσε μεγάλες περιόδους της ημέρας και της νύχτας περπατώντας μόνος του μέσα σε δάση και χωράφια, ξεκινώντας συχνά τις βόλτες του πριν την ανατολή του ηλίου.

Υπέστη το πρώτο του εγκεφαλικό τον Ιούνιο του 1835, το οποίο του άφησε ελαφρά παράλυση των άκρων και μείωσε πολύ την ικανότητά του να ζωγραφίζει. Ως αποτέλεσμα, δεν ήταν σε θέση να εργαστεί. Αντίθετα, περιορίστηκε στην ακουαρέλα, την σέπια και την επανεπεξεργασία παλαιότερων συνθέσεων.

Αν και η όρασή του παρέμενε δυνατή, είχε χάσει όλη την δύναμη του χεριού του. Ωστόσο, μπόρεσε να δημιουργήσει έναν τελευταίο «μαύρο πίνακα», το Seashore by Moonlight (1835–1836), που περιγράφεται από τον Vaughan ως «η πιο σκοτεινή από όλες τις ακτές του, στην οποία ο πλούτος της τονικότητας αντισταθμίζει την έλλειψη της προηγούμενης φινέτσας του».

Σύμβολα θανάτου εμφανίστηκαν στο έργο του από αυτήν την περίοδο. Αμέσως μετά το εγκεφαλικό του, η Ρωσική Βασιλική οικογένεια αγόρασε πολλά από τα προηγούμενα έργα του και τα έσοδα του επέτρεψαν να ταξιδέψει στο Τέπλιτς -στην σημερινή Τσεχική Δημοκρατία- για να αναρρώσει.

Στα μέσα της δεκαετίας του 1830, ο Φρίντριχ ξεκίνησε μια σειρά από πορτρέτα και επέστρεψε στην παρατήρηση στην φύση. Όπως παρατήρησε, ωστόσο, ο ιστορικός τέχνης William Vaughan, “Μπορεί να δει τον εαυτό του ως έναν άνθρωπο πολύ αλλαγμένο. Δεν είναι πλέον η όρθια, υποστηρικτική φιγούρα που εμφανίστηκε στο Two Men Contemplating the Moon το 1819. Είναι ηλικιωμένος και άκαμπτος… κινείται σκυφτός». Μέχρι το 1838, ήταν ικανός να εργάζεται μόνο σε μικρά έργα. Αυτός και η οικογένειά του ζούσαν στην φτώχεια και εξαρτώταν όλο και περισσότερο για υποστήριξη από την φιλανθρωπία των φίλων.

Θάνατος.

Είσοδος Νεκροταφείου,
Galerie Neue Meister, Δρέσδη.

Ο Φρίντριχ πέθανε στην Δρέσδη στις 7 Μαΐου 1840 και θάφτηκε στο Trinitatis-Friedhof (Νεκροταφείο της Τριάδας) της Δρέσδης ανατολικά του κέντρου της πόλης (την είσοδο στην οποία είχε ζωγραφίσει περίπου 15 χρόνια νωρίτερα). Η απλή επίπεδη ταφόπλακα του βρίσκεται βορειοδυτικά του κεντρικού στρογγυλού τμήματος εντός της κεντρικής λεωφόρου.

Μέχρι εκείνη την στιγμή η φήμη του είχε εξασθενίσει και ο θάνατός του έγινε ελάχιστα αντιληπτός στην καλλιτεχνική κοινότητα. Το έργο τέχνης του είχε σίγουρα αναγνωριστεί κατά την διάρκεια της ζωής του, αλλά όχι ευρέως. Ενώ η προσεκτική μελέτη του τοπίου και η έμφαση στα πνευματικά στοιχεία της φύσης ήταν συνηθισμένα στην σύγχρονη τέχνη, οι ερμηνείες του ήταν εξαιρετικά πρωτότυπες και προσωπικές. Μέχρι το 1838, το έργο του δεν πουλούσε πλέον ούτε έλαβε την ανάλογη προσοχή από τους κριτικούς. Το ρομαντικό κίνημα είχε απομακρυνθεί από τον πρώιμο ιδεαλισμό που είχε βοηθήσει να βρεθεί ο καλλιτέχνης.

Ο Carl Gustav Carus έγραψε αργότερα μια σειρά άρθρων που αποτίουν φόρο τιμής στον μετασχηματισμό του Friedrich των συμβάσεων της ζωγραφικής τοπίου. Ωστόσο, τα άρθρα του Carus τοποθέτησαν τον Φρίντριχ σταθερά στην εποχή του και δεν τοποθέτησαν τον καλλιτέχνη σε μια συνεχιζόμενη παράδοση.  Μόνο ένας από τους πίνακές του είχε αναπαραχθεί ως εκτύπωση, και αυτός δημιουργήθηκε σε πολύ λίγα αντίτυπα.

Θέματα.
Το Τοπίο και το Υπέροχο.

“Αυτό που βλέπουν οι νεότεροι καλλιτέχνες τοπίου σε έναν κύκλο εκατοντάδων μοιρών στην Φύση, το συμπιέζουν αλύπητα σε μια οπτική γωνία μόλις σαράντα πέντε μοιρών. Και επιπλέον, ό,τι βρίσκεται στην Φύση χωρισμένο από μεγάλους χώρους, συμπιέζεται σε έναν στενό χώρο και υπεργεμίζει και χορταίνει το μάτι, δημιουργώντας ένα δυσμενές και ανησυχητικό αποτέλεσμα στον θεατή.” -Caspar David Friedrich

Η οπτικοποίηση και η απεικόνιση του τοπίου με έναν εντελώς νέο τρόπο ήταν η βασική καινοτομία του Friedrich. Επιδίωξε όχι απλώς να εξερευνήσει την ευτυχισμένη απόλαυση μιας όμορφης θέας, όπως στην κλασική σύλληψη, αλλά να εξετάσει μια στιγμή υπεροχής, μια επανένωση με τον πνευματικό εαυτό μέσω της ενατένισης της φύσης. Ο Φρίντριχ έπαιξε καθοριστικό ρόλο στην μετατροπή του τοπίου στην τέχνη από ένα σκηνικό υποταγμένο στο ανθρώπινο δράμα σε ένα αυτοτελές συναισθηματικό θέμα. Οι πίνακες του Φρίντριχ χρησιμοποιούσαν συνήθως το Rückenfigur -ένα πρόσωπο που φαίνεται από πίσω, που ατενίζει την θέα. Ο θεατής ενθαρρύνεται να τοποθετηθεί στην θέση του Rückenfigur, με το οποίο βιώνει τις υπέροχες δυνατότητες της φύσης, κατανοώντας ότι η σκηνή γίνεται αντιληπτή και εξιδανικευμένη από έναν άνθρωπο.

[Το Rückenfigur (κυριολεκτικά “back-figure”) είναι μια σύνθεση στην ζωγραφική, την γραφική τέχνη, την φωτογραφία και τον κινηματογράφο. Ένα άτομο φαίνεται από πίσω στο προσκήνιο της εικόνας, ατενίζοντας την θέα μπροστά του και είναι ένα μέσο με το οποίο ο θεατής μπορεί να ταυτιστεί με την φιγούρα της εικόνας και στην συνέχεια να αναδημιουργήσει τον χώρο που θα μεταφερθεί. Συνδέεται συνήθως με την γερμανική ρομαντική ζωγραφική και ιδιαίτερα με τον τοπιογράφο Caspar David Friedrich. Στην ιστορική έρευνα της τέχνης, συζητείται αν το Rückenfigur πραγματικά προσκαλεί την ταύτιση ή μάλλον ενθαρρύνει την παρατήρηση δεύτερης τάξης. Ένα διάσημο παράδειγμα του μοτίβου Rückenfigur: Der Wanderer über dem Nebelmeer του Caspar David Friedrich, 1818.

Το μοτίβο Rückenfigur χρονολογείται από την αρχαιότητα και έκτοτε έχει χρησιμοποιηθεί σε πολλές διαφορετικές εποχές και στυλ τέχνης. Πριν από τον Φρίντριχ, τέτοιες φιγούρες δεν ήταν γενικά το θέμα του έργου. Το Lamentation of Christ (δεκαετία 1300) του Giotto είναι ένα πρώιμο παράδειγμα μη υποκειμένων μορφών που στρέφονται από τον θεατή.  Το Rückenfigur μπορεί επίσης να λάβει την μορφή προσωπικού. Το back-figure εμφανίζεται συνήθως σε διαφημίσεις.]

The Abbey in the Oakwood (1808–1810).
110,4 × 171 εκ. Alte Nationalgalerie, Βερολίνο.
Ο Albert Boime γράφει, «Όπως μια σκηνή από μια
ταινία τρόμου, φέρνει στο θέμα όλα τα γοτθικά
κλισέ του τέλους του δέκατου όγδοου και
των αρχών του δέκατου ένατου αιώνα».

Ο Φρίντριχ δημιούργησε την ιδέα ενός τοπίου γεμάτου ρομαντικά συναισθήματα -die romantische Stimmungslandschaft. Η τέχνη του περιγράφει λεπτομερώς ένα ευρύ φάσμα γεωγραφικών χαρακτηριστικών, όπως βραχώδεις ακτές, δάση και ορεινές σκηνές, και συχνά χρησιμοποιούσε το τοπίο για να εκφράσει πνευματικά-μεταφυσικά θέματα. Κατά την διάρκεια της εποχής του, οι περισσότεροι από τους πιο γνωστούς πίνακες θεωρήθηκαν ως εκφράσεις ενός θρησκευτικού μυστικισμού. Έγραψε:

«Ο καλλιτέχνης πρέπει να ζωγραφίζει όχι μόνο αυτό που βλέπει μπροστά του, αλλά και αυτό που βλέπει μέσα του. Διαφορετικά, οι φωτογραφίες του θα είναι σαν αυτές τις πτυσσόμενες οθόνες πίσω από τις οποίες περιμένει κανείς να βρει μόνο τους άρρωστους ή τους νεκρούς».

Εκτεταμένοι ουρανοί, καταιγίδες, ομίχλη, δάση, ερείπια και σταυροί που μαρτυρούν την παρουσία του Θείου είναι συχνά στοιχεία στα τοπία του Φρίντριχ. Αν και ο θάνατος βρίσκει συμβολική έκφραση σε βάρκες που απομακρύνονται από την ακτή -ένα μοτίβο που μοιάζει με τον Χάρωνα- και στην λεύκα, αναφέρεται πιο άμεσα σε πίνακες όπως το The Abbey in the Oakwood (1808–1810), όπου οι μοναχοί φέρουν ένα φέρετρο πέρα από έναν ανοιχτό τάφο, προς έναν σταυρό και μέσα από την πύλη μιας εκκλησίας σε ερείπια. Ήταν ένας από τους πρώτους καλλιτέχνες που απεικόνισε χειμωνιάτικα τοπία στα οποία η γη αποδίδεται ως σκληρή και νεκρή. Οι χειμερινές σκηνές του Φρίντριχ είναι επίσημες και ακίνητες -σύμφωνα με τον ιστορικό τέχνης Χέρμαν Μπένκεν, ο Φρίντριχ ζωγράφισε χειμερινές σκηνές στις οποίες

«…Κανείς δεν έχει πατήσει ακόμα το πόδι του. Το θέμα σχεδόν όλων των παλαιότερων χειμωνιάτικων εικόνων ήταν λιγότερο ο ίδιος ο χειμώνας παρά η ζωή τον χειμώνα. Τον 16ο και τον 17ο αιώνα, θεωρήθηκε αδύνατο να αφήσουμε έξω τέτοια μοτίβα όπως το πλήθος των σκέιτερ, ο περιπλανώμενος… Ήταν ο Φρίντριχ που ένιωσε για πρώτη φορά τα εντελώς αποκομμένα και διακριτικά χαρακτηριστικά μιας φυσικής ζωής, αντί για πολλούς τόνους αναζήτησε το ένα, κι έτσι, στο τοπίο του, υπέταξε την σύνθετη συγχορδία σε μια ενιαία βασική νότα».

The Sea of ​​Ice (1823–1824), Kunsthalle
Hamburg. Αυτή η σκηνή έχει περιγραφεί
ως «…Μια εκπληκτική σύνθεση κοντινών και
μακρινών μορφών σε μια Αρκτική εικόνα».

Γυμνά δέντρα βελανιδιάς και κούτσουρα δέντρων, όπως αυτά στο Raven Tree (περίπου  1822), Άνδρας και Γυναίκα που συλλογίζονται το φεγγάρι (περίπου  1824) και Willow Bush under a Setting Sun (περίπου  1835), είναι επαναλαμβανόμενα στοιχεία των έργων του, και συνήθως συμβολίζουν τον θάνατο. Αντιμετωπίζοντας την αίσθηση της απόγνωσης είναι τα σύμβολα του Φρίντριχ για την λύτρωση: ο σταυρός και ο καθαρός ουρανός υπόσχονται αιώνια ζωή και το λεπτό φεγγάρι υποδηλώνει την ελπίδα και την αυξανόμενη εγγύτητα του Θείου.

Στους πίνακές του για την θάλασσα, άγκυρες εμφανίζονται συχνά στην ακτή, υποδηλώνοντας επίσης μια πνευματική ελπίδα. Στο The Abbey in the Oakwood, η κίνηση των μοναχών μακριά από τον ανοιχτό τάφο και προς τον σταυρό και τον ορίζοντα μεταδίδει το μήνυμα του Friedrich ότι ο τελικός προορισμός της ζωής του ανθρώπου βρίσκεται πέρα ​​από τον τάφο.

Με την αυγή και το σούρουπο να αποτελούν εξέχοντα θέματα των τοπίων του, τα τελευταία χρόνια του ίδιου του Φρίντριχ χαρακτηρίστηκαν από μια αυξανόμενη απαισιοδοξία. Το έργο του γίνεται πιο σκοτεινό, αποκαλύπτοντας μια τρομακτική μεταφυσική μνημειακότητα. Το Ναυάγιο της Ελπίδας -γνωστό και ως “Η Πολική Θάλασσα” ή “Η Θάλασσα του Πάγου” (1823–1824)- ίσως συνοψίζει καλύτερα τις ιδέες και τους στόχους του Φρίντριχ σε αυτό το σημείο, αν και με τόσο ριζοσπαστικό τρόπο που ο πίνακας δεν έτυχε καλής αποδοχής. Ολοκληρώθηκε το 1824 και απεικόνιζε ένα ζοφερό θέμα, ένα ναυάγιο στον Αρκτικό Ωκεανό.

«Η εικόνα που παρήγαγε, με τις στροβιλιστικές της πλάκες από πάγο σε χρώμα τραβερτίνη να μασούν ένα ξύλινο πλοίο, ξεπερνά το ντοκιμαντέρ σε αλληγορία: ο εύθραυστος φλοιός της ανθρώπινης φιλοδοξίας συνθλίβεται από την τεράστια και παγετώδη αδιαφορία του κόσμου».

Άνδρας και γυναίκα που στοχάζονται την Σελήνη
(περ.  1824). 34 × 44 εκ. Alte Nationalgalerie, Βερολίνο.
Ένα ζευγάρι κοιτάζει με λαχτάρα την φύση. Ντυμένοι
με ρούχα «παλαιο-γερμανικά», σύμφωνα με
τον Robert Hughes, είναι «ελάχιστα διαφορετικοί
στον τόνο ή το μόντελινγκ από τα βαθιά δράματα της
φύσης γύρω τους».

Ο γραπτός σχολιασμός του Φρίντριχ για την αισθητική περιορίστηκε σε μια συλλογή αφορισμών που εκτέθηκε το 1830, στην οποία εξήγησε την ανάγκη ο καλλιτέχνης να συνδυάσει την φυσική παρατήρηση με μια ενδοσκοπική εξέταση της προσωπικότητάς του. Η πιο γνωστή παρατήρησή του συμβουλεύει τον καλλιτέχνη να

“…Κλείσει το σωματικό σου μάτι για να δεις την εικόνα σου πρώτα με το πνευματικό μάτι. Έπειτα φέρε στο φως της ημέρας αυτό που είδες στο σκοτάδι, ώστε να αντιδράσει στους άλλους από το έξω προς τα μέσα”.

Μοναξιά και θάνατος

Τόσο η ζωή όσο και η τέχνη του Φρίντριχ έχουν κατά καιρούς έχει ειπωθεί από ορισμένους κι έχουν χαρακτηριστεί με μια συντριπτική αίσθηση μοναξιάς. Ιστορικοί τέχνης και μερικοί από τους σύγχρονούς του αποδίδουν τέτοιες ερμηνείες στις απώλειες που υπέστη κατά την διάρκεια της νεότητάς του στην ζοφερή προοπτική της ενηλικίωσής του, ενώ η χλωμή και αποτραβηγμένη εμφάνιση του Friedrich βοήθησε στην ενίσχυση της δημοφιλής αντίληψης του «λιγόμυλου άνδρα από το Βορρά».

Ο Φρίντριχ υπέστη καταθλιπτικά επεισόδια το 1799, 1803–1805, περ. 1813, το 1816 και μεταξύ 1824 και 1826. Υπάρχουν αξιοσημείωτες θεματικές αλλαγές στα έργα που παρήγαγε κατά την διάρκεια αυτών των επεισοδίων, στα οποία βλέπουμε την εμφάνιση μοτίβων και συμβόλων όπως γύπες, κουκουβάγιες, νεκροταφεία και ερείπια.

Από το 1826 αυτά τα μοτίβα έγιναν μόνιμο χαρακτηριστικό της παραγωγής του, ενώ η χρήση του χρώματος έγινε πιο σκοτεινή και σιωπηλή. Ο Carus έγραψε το 1929 ότι ο Friedrich “περιβάλλεται από ένα πυκνό, ζοφερό σύννεφο πνευματικής αβεβαιότητας”, αν και ο γνωστός ιστορικός τέχνης και επιμελητής Hubertus Gassner διαφωνεί με τέτοιες έννοιες, βλέποντας στο έργο του Friedrich ένα θετικό και επιβεβαιωτικό υποκείμενο εμπνευσμένο από τον Τεκτονισμό, την Μεταφυσική και την Θρησκεία.

Γερμανική λαογραφία.

Αντανακλώντας τον πατριωτισμό και την δυσαρέσκεια του Φρίντριχ κατά την διάρκεια της γαλλικής κατοχής του 1813 στην κυριαρχία της Πομερανίας, μοτίβα από την γερμανική λαογραφία έγιναν όλο και πιο εμφανή στο έργο του. Ένας αντι-Γάλλος Γερμανός εθνικιστής, ο Φρίντριχ χρησιμοποίησε μοτίβα από το τοπίο της πατρίδας του για να γιορτάσει τον γερμανικό πολιτισμό, τα έθιμα και την μυθολογία.

Εντυπωσιάστηκε από την αντιναπολεόντεια ποίηση του Ernst Moritz Arndt και του Theodor Körner και την πατριωτική λογοτεχνία του Adam Müller και του Heinrich von Kleist. Συγκινημένος από τον θάνατο τριών φίλων που σκοτώθηκαν στην μάχη κατά της Γαλλίας, καθώς και από το δράμα του Kleist Die Hermannsschlacht του 1808, ο Φρίντριχ ανέλαβε μια σειρά από πίνακες στους οποίους σκόπευε να μεταφέρει πολιτικά σύμβολα αποκλειστικά μέσω του τοπίου -μια πρώτη στην ιστορία της τέχνης.

Στους Τάφους Παλαιών Ηρώων (1812), ένα ερειπωμένο μνημείο με την επιγραφή «Arminius» επικαλείται τον Γερμανό οπλαρχηγό, σύμβολο του εθνικισμού, ενώ οι τέσσερις τάφοι των πεσόντων ηρώων είναι ελαφρώς μισάνοιχτοι, ελευθερώνοντας τα πνεύματά τους για την αιωνιότητα.

Δύο Γάλλοι στρατιώτες εμφανίζονται ως μικρές φιγούρες μπροστά από μια σπηλιά, χαμηλότερα και βαθιά σε ένα σπήλαιο που περιβάλλεται από βράχο, σαν πιο μακριά από τον παράδεισο. Ένας δεύτερος πολιτικός πίνακας, το Ελατοδάσος με τον Γάλλο Δράκουνα και το Κοράκι (περίπου 1813), απεικονίζει έναν χαμένο Γάλλο στρατιώτη νάνο από ένα πυκνό δάσος, ενώ σε ένα κούτσουρο δέντρου είναι σκαρφαλωμένο ένα κοράκι – ένας προφήτης της καταστροφής, που συμβολίζει την αναμενόμενη ήττα της Γαλλίας.

Κληρονομιά.

Μαζί με άλλους ρομαντικούς ζωγράφους, ο Φρίντριχ βοήθησε να τοποθετηθεί η ζωγραφική τοπίου ως κύριο είδος στην δυτική τέχνη. Από τους συγχρόνους του, το στυλ του Φρίντριχ επηρέασε περισσότερο την ζωγραφική του Johan Christian Dahl (1788–1857). Μεταξύ των μεταγενέστερων γενεών, ο Arnold Böcklin (1827–1901) επηρεάστηκε έντονα από το έργο του και η ουσιαστική παρουσία των έργων του Friedrich στις Ρωσικές συλλογές επηρέασε πολλούς Ρώσους ζωγράφους, ιδιαίτερα τον Arkhip Kuindzhi (περ. 1842–1910) και τον Ivan Shishkin (1832– 1898).

Η πνευματικότητα του Φρίντριχ περίμενε Αμερικανούς ζωγράφους όπως ο Albert Pinkham Ryder (1847–1917), ο Ralph Blakelock (1847–1919), οι ζωγράφοι της Σχολής του ποταμού Hudson και οι New England Luminists.

Στο γύρισμα του 20ου αιώνα, ο Φρίντριχ ανακαλύφθηκε εκ νέου από τον Νορβηγό ιστορικό τέχνης Andreas Aubert (1851–1913), του οποίου η γραφή ξεκίνησε την σύγχρονη φιλολογία του Φρίντριχ, και από τους συμβολιστές ζωγράφους, που εκτιμούσαν τα οραματικά και αλληγορικά τοπία του. Ο Νορβηγός συμβολιστής Edvard Munch (1863–1944) θα είχε δει το έργο του Friedrich κατά την διάρκεια μιας επίσκεψης στο Βερολίνο την δεκαετία του 1880. Η εκτύπωση του 1899 του Munch The Lonely Ones απηχεί το Rückenfigur του Friedrich (πίσω φιγούρα) , αν και στο έργο του Munch η εστίαση έχει απομακρυνθεί από το ευρύ τοπίο και προς την αίσθηση της εξάρθρωσης μεταξύ των δύο μελαγχολικών φιγούρων στο προσκήνιο.

Η σύγχρονη αναβίωση του Friedrich κέρδισε δυναμική το 1906, όταν τριάντα δύο από τα έργα του παρουσιάστηκαν σε μια έκθεση στο Βερολίνο για την τέχνη της ρομαντικής εποχής. Τα τοπία του άσκησαν ισχυρή επιρροή στο έργο του Γερμανού καλλιτέχνη Max Ernst (1891–1976), και ως αποτέλεσμα άλλοι σουρεαλιστές άρχισαν να θεωρούν τον Friedrich ως πρόδρομο του κινήματός τους. Το 1934, ο Βέλγος ζωγράφος René Magritte (1898–1967) απέτισε φόρο τιμής στο έργο του ‘Η ανθρώπινη κατάσταση’, το οποίο απηχεί άμεσα μοτίβα από την τέχνη του Friedrich στην αμφισβήτηση της αντίληψης και του ρόλου του θεατή.

Paul Nash, Totes Meer (Θάλασσα των Νεκρών),
1940–41. 101,6 x 152,4 εκ. Γκαλερί Tate. Το έργο
του Nash απεικονίζει ένα νεκροταφείο συντριβών
γερμανικών αεροπλάνων συγκρίσιμο με το
‘The Sea of ​​Ice’ (παραπάνω).

Λίγα χρόνια αργότερα, το σουρεαλιστικό περιοδικό Minotaure συμπεριέλαβε τον Friedrich σε ένα άρθρο του 1939 της κριτικού Marie Landsberger, εκθέτοντας έτσι το έργο του σε έναν πολύ ευρύτερο κύκλο καλλιτεχνών. Η επιρροή του Ναυαγίου της Ελπίδας ή (Η Θάλασσα του Πάγου) είναι εμφανής στον πίνακα Totes Meer του 1940-41 του Paul Nash (1889-1946), ενός ένθερμου θαυμαστή του Ernst.

Το έργο του Friedrich έχει αναφερθεί ως έμπνευση από άλλους σημαντικούς καλλιτέχνες του 20ου αιώνα, όπως ο Mark Rothko (1903–1970),  Gerhard Richter (γεν. 1932),  Gotthard Graubner και Anselm Kiefer (γεν. 1945). Οι ρομαντικοί πίνακες του Φρίντριχ έχουν επίσης ξεχωρίσει από τον συγγραφέα Σάμιουελ Μπέκετ (1906–89), ο οποίος, στεκόμενος μπροστά στον Άντρα και την Γυναίκα που συλλογίζονται την Σελήνη, είπε «Αυτή ήταν η πηγή του Περιμένοντας τον Γκοντό , ξέρεις».

Στο άρθρο του «The Abstract Sublime» το 1961, που δημοσιεύθηκε αρχικά στο ARTnews, ο ιστορικός τέχνης Robert Rosenblum έκανε συγκρίσεις μεταξύ των ρομαντικών τοπίων ζωγραφικής τόσο του Friedrich όσο και του Turner με τους πίνακες του Αφηρημένου Εξπρεσιονιστή του Mark Rothko. Ο Ρόζενμπλουμ περιγράφει συγκεκριμένα τον πίνακα του Φρίντριχ του 1809 The Monk by the Sea , το The Evening Star του Turner και το 1954 Light, Earth and Blue του Rothko ως αποκαλυπτικές συγγένειες όρασης και συναισθήματος. Σύμφωνα με τον Ρόζενμπλουμ,

“Ο Ρόθκο, όπως ο Φρίντριχ και ο Τέρνερ, μας τοποθετεί στο κατώφλι αυτών των άμορφων απείρων που συζητούν οι αισθητικοί του Υψηλού. Ο μικροσκοπικός μοναχός στο Φρίντριχ και ο ψαράς στο Τέρνερ δημιουργούν μια οδυνηρή αντίθεση μεταξύ του απέραντου ‘Ένας πανθεϊστικός Θεός’ και η άπειρη μικρότητα των πλασμάτων Του, στην αφηρημένη γλώσσα του Ρόθκο, μια τέτοια κυριολεκτική λεπτομέρεια -μια γέφυρα ενσυναίσθησης μεταξύ του πραγματικού θεατή και της παρουσίασης ενός υπερβατικού τοπίου- δεν είναι πλέον απαραίτητη η θάλασσα, στέκεται σιωπηλά και στοχαστικά μπροστά σε αυτές τις τεράστιες και αθόρυβες εικόνες σαν να κοιτάζαμε ένα ηλιοβασίλεμα ή μια νύχτα με φεγγάρι”.

Κριτική γνώμη

Ivan Shishkin, In the Wild North (1891).
161 x 118 εκ. Εθνική Πινακοθήκη Κιέβου.

Μέχρι το 1890, και ειδικά μετά τον θάνατο των φίλων του, το έργο του Φρίντριχ παρέμενε σχεδόν σε λήθη για δεκαετίες. Ωστόσο, από το 1890, ο συμβολισμός στο έργο του άρχισε να ηχεί αληθινός με την καλλιτεχνική διάθεση της εποχής, ειδικά στην κεντρική Ευρώπη. Ωστόσο, παρά το ανανεωμένο ενδιαφέρον και την αναγνώριση της πρωτοτυπίας του, την έλλειψη σεβασμού του «ζωγραφικού εφέ» και τις αραιές επιφάνειες που μπερδεύουν με τις θεωρίες της εποχής.

Κατά την δεκαετία του 1930, το έργο του Φρίντριχ χρησιμοποιήθηκε για την προώθηση της ναζιστικής ιδεολογίας, η οποία προσπάθησε να εντάξει τον ρομαντικό καλλιτέχνη στο εθνικιστικό Blut und Boden. Χρειάστηκαν δεκαετίες για να ανακάμψει η φήμη του Φρίντριχ από αυτή την συσχέτιση με τον ναζισμό. Η εξάρτησή του από τον συμβολισμό και το γεγονός ότι το έργο του έπεφτε έξω από τους στενούς ορισμούς του μοντερνισμού συνέβαλαν στην πτώση του.

Το 1949, ο ιστορικός τέχνης Κένεθ Κλαρκ έγραψε ότι ο Φρίντριχ «δούλεψε με την παγερή τεχνική της εποχής του, η οποία δύσκολα θα μπορούσε να εμπνεύσει μια σχολή μοντέρνας ζωγραφικής» και πρότεινε ότι ο καλλιτέχνης προσπαθούσε να εκφράσει στην ζωγραφική ό,τι καλύτερο απομένει στην ποίηση. Η απόλυση του Φρίντριχ από τον Κλαρκ αντανακλούσε την ζημιά που υπέστη η φήμη του καλλιτέχνη στα τέλη της δεκαετίας του 1930.

Η φήμη του Φρίντριχ υπέστη περαιτέρω ζημιά όταν οι εικόνες του υιοθετήθηκαν από αρκετούς σκηνοθέτες του Χόλιγουντ, συμπεριλαμβανομένου του Walt Disney, που βασίστηκε στην δουλειά τέτοιων Γερμανών δημιουργών του κινηματογράφου όπως ο Fritz Lang και ο FW Murnau, στα είδη τρόμου και φαντασίας.  Η αποκατάστασή του ήταν αργή, αλλά ενισχύθηκε μέσα από τα γραπτά κριτικών και μελετητών όπως ο Werner Hofmann, ο Helmut Börsch-Supan και ο Sigrid Hinz, οι οποίοι αντέκρουσαν επιτυχώς τις πολιτικές ενώσεις που αποδίδονταν στο έργο του, ανέπτυξαν έναν κατάλογο λόγο και τοποθέτησαν τον Φρίντριχ μέσα ένα καθαρά καλλιτεχνικό-ιστορικό πλαίσιο.

Τάφοι Παλαιών Ηρώων (1812), (Old Heroes’ Graves)
49,5 × 70,5 εκ. Kunsthalle, Αμβούργο. Ένα ερειπωμένο
μνημείο με την επιγραφή «Arminius» επικαλείται τον
Γερμανό οπλαρχηγό, σύμβολο του εθνικισμού. Δύο
Γάλλοι στρατιώτες εμφανίζονται ως μικρές φιγούρες
μπροστά από μια σπηλιά, χαμηλότερα και βαθιά σε
ένα σπήλαιο που περιβάλλεται από βράχο, σαν
πιο μακριά από τον παράδεισο.

Μέχρι την δεκαετία του 1970, εκτέθηκε ξανά σε μεγάλες διεθνείς γκαλερί και βρήκε την εύνοια μιας νέας γενιάς κριτικών και ιστορικών τέχνης. Σήμερα, η διεθνή του φήμη είναι εδραιωμένη. Είναι ένα εθνικό είδωλο στην γενέτειρά του την Γερμανία, και εκτιμάται ιδιαίτερα από ιστορικούς τέχνης και γνώστες σε όλο τον Δυτικό Κόσμο. Θεωρείται γενικά ως μια φιγούρα μεγάλης ψυχολογικής πολυπλοκότητας και σύμφωνα με τον Vaughan:

“…Ένας πιστός που πάλευε με την αμφιβολία, ένας εορταστής της ομορφιάς που στοιχειώνεται από το σκοτάδι. Στο τέλος, υπερβαίνει την ερμηνεία, φθάνοντας σε διαφορετικούς πολιτισμούς μέσω της συναρπαστικής έκκλησής του Έχει αναδειχθεί πραγματικά ως πεταλούδα – ελπίζουμε ότι δεν θα εξαφανιστεί ποτέ ξανά από τα μάτια μας”.

Ο Φρίντριχ ήταν ένας παραγωγικός καλλιτέχνης που παρήγαγε περισσότερα από 500 έργα. Σύμφωνα με τα ρομαντικά ιδεώδη της εποχής του, σκόπευε οι πίνακές του να λειτουργήσουν ως καθαρές αισθητικές δηλώσεις, επομένως ήταν προσεκτικός ώστε οι τίτλοι που δίνονταν στο έργο του να μην ήταν υπερβολικά περιγραφικοί ή υποβλητικοί.

Είναι πιθανό ότι ορισμένοι από τους σημερινούς πιο κυριολεκτικούς τίτλους, όπως τα Στάδια της Ζωής, δεν δόθηκαν από τον ίδιο τον καλλιτέχνη, αλλά υιοθετήθηκαν κατά την διάρκεια μιας από τις αναβιώσεις του ενδιαφέροντος για τον Φρίντριχ. Προκύπτουν περιπλοκές όταν χρονολογείται το έργο του Φρίντριχ, εν μέρει επειδή συχνά δεν κατονομάζει ή δεν χρονολογεί απευθείας τους καμβάδες του. Κρατούσε, ωστόσο, ένα προσεκτικά λεπτομερές σημειωματάριο για την παραγωγή του, το οποίο χρησιμοποιήθηκε από μελετητές για να συνδέσουν τους πίνακες με τις ημερομηνίες ολοκλήρωσής τους.

***
@Ηώ Αναγνώστου /terrapapers.com – miastala.com / 2009-2024

Πηγή: terrapapers.com